近日，由长沙市芙蓉区教育科研中心主办、长沙市一中马王堆中学承办的芙蓉区中学美术教师专业提升专项活动成功举办。做主题分享的杨香玲老师将其精心准备的发言材料又进行了后期整理，现贡献出来、以飨大家。
各位领导、各位老师：
大家上午好！
首先感谢区教科中心和在座的各位老师给我这个宝贵的机会。
很高兴今天能有机会和全区的美术同行交流。接到“专业成长”这个课题，我其实想了很久。
三十多年的教师生涯，如果把获奖、课题、展览、论文一项项地列出来，可以列出很长很长一串，但我越想越觉得，真正值得分享的不是“我得到了什么”，而是这些年我是怎样一步一步地走到今天，又为什么始终愿意留在美术课堂，并且做出了一定的成绩。
我的职业生涯，可以说一直是在两个地方之间来来回回：一个是讲台，一个是画案。
1990年参加工作以来,我做过班主任、年级组长、教科室专干,也曾在2002年至2006年担任芙蓉区第二届人大代表。一路走来,有教学、有管理、有教研,也有社会履职。经历过不同的岗位之后,我反而越来越清楚、越来越清醒:以自己的个人性格、兴趣爱好和专业积累,最适合的还是做一名普通的一线美术教师。
定位之后,我就没有把“离开课堂”做为自己职业发展的追逐方向。相反,我愿意回归平凡的课堂,愿意每天面对学生,愿意研究每一堂美术课怎样才能上得更好、讲得更透;也愿意在课余时间坐到画案前,再画几笔,再多画几笔。
今天这场分享,我用十个字来概括:
守三尺讲台,寻一生丹青。
一、守·讲台|把一件日常事,认真做很多年
“守”不是停留在原地。“铁打的校园,流水的学生。”三十多年来,学生在变,教材在变,课程理念也一直在变。如果教师只是重复昨天的“故事”、昨天的教案,那么人在讲台上,专业其实早已离开了课堂。
我一直觉得,美术教师的专业成长,首先应该发生在课堂里,三十多年来坚持上公开审核。2009年,我执教的《生活巧设计》课题获得湖南省教学竞赛一等奖。现在回头看,奖项当然值得珍惜,但更重要的是备课、磨课、试讲的过程。为了一个教学环节的顺畅反复修改,为了所有学生能够理解接受不断调整,这些经历让我真正意识到:一堂看似轻松自然的美术课,背后其实需要教师非常扎实的专业功底和判断。
后来,我参与课题研究、送教下乡、新教材解读,也发表了一些教学论文。2023年参与长沙市教科院规划课题《基于核心素养要求下中小学美术课题教学创新设计》,成果获得一等奖。2025年,我参与编写的湘版八年级美术教材正式出版启用。年轻的时候,我拿着教材想的是“这一课怎样教”;后来参与教材编写,我开始站到另一个角度思考:知识点应该怎样组织?学生可能怎样理解?一页教材怎样才能转化成一堂让学生欣然接受的课程?这也是一种成长和提升。
课堂案例|“楚汉美韵”让地方文化融入学生的手心
我所在的学校就坐落在马王堆这片有着深厚楚汉文化积淀的土地上。我们一直在想,美术课能不能不只讲遥远的名作,也是否应该让学生真正认识脚下的这一片土地及它蕴藏的文化。
从2009年开始,我校美术组三位教师与湖南省博物馆开展馆校合作,后来逐步形成“楚汉美韵创意工作坊”。我们带着学生认识青铜器、传统纹样和马王堆文化,再把这些文化资源转化成孩子能够动手的课程。学生用超轻黏土制作仿青铜浮雕,创作“国宝绘说话”成语故事浮雕和“国宝故事”绘本。400余件学生仿青铜浮雕作品,曾在省博物馆展出一年,工作坊也荣获全国二等奖、省级一等奖。《长沙新闻》等予以跟踪报道(保存有原始视频)。
这段经历也让我们越来越明确一个认识:教师的专业能力,不是把大学里学到的东西原封不动地搬进初中课堂,而是要学会“翻译”。学会把文物欣赏翻译成孩子可以触摸的材料,把传统纹样翻译成孩子能够理解的设计,把笔墨语言翻译成他们敢于尝试的表达,把地方文化翻译成他们愿意参与的课程。
如果学生只能看着老师做、做得好,那还远远不够。真正的学习,是让他们自己面对问题:材料怎么选取?结构如何合理?纹样怎样组织?传统元素怎样进入今天的作品?当学生开始尝试解决这些真实问题时,美术课才真正有了它的真谛。
同行成长|带实习生,也是在重新学习做教师
自2018年以来,一批又一批年轻的湖南师范大学美术专业实习生来到学校,我也参与到对实习生的指导。刚开始我觉得自己是导师,是把经验告诉他们。后来慢慢发现,指导年轻教师的过程,其实也是一次重新审视自己、“教学相长”的过程。
我比较重视让他们独立思考,而不是照着我的课去复制。我们一起备课、模拟教学、讨论学生反应,也会围绕一个具体作品共同研究,以解决材料、结构和视觉形式等问题。我还鼓励他们坚持写实习日志,把每天课堂里真实发生的事情记下来,把自己的领悟写出来。二个月实习下来,成果令人刮目相看。这些年,我指导的实习生,考证、考研、考编的比例很高。
教师的经验如果只是“我一直这样做”,很容易变成习惯。年轻教师会问“为什么”,学生也会不断出现新问题。这些问题逼着我重新审视和解释自己的判断。于是,一个人的经验慢慢变成了一群人的讨论,而我自己也在这个过程中不断升华。
二、寻·丹青|画笔没有放下,专业才能继续生长
如果说讲台是我的职业原点,那么画案就是我一直没有放下的职业支点。
我家的书房也是画室。书柜里最多的是美术书,桌子上常年放着笔、墨、纸、砚。工作忙的时候,不一定每天都能画很长时间,但我一直希望自己能保持一种专业实践。
我并不认为每一个美术教师都必须成为专业画家,但我越来越相信,美术教师至少应该保留一种持续的艺术实践。可以是中国画,可以是书法、摄影、设计、陶艺等。因为只有自己仍然在做,才会知道创作并不是老师站在讲台上说一句“大胆一点”那么简单。我们自己也会犹豫,也会画坏、出错,也会推翻重来。正因为经历过这些,才更懂得学生说“老师,我不会”时,那句话里到底隐藏着什么。
先向古人学,再向自然学,最后向生活学
这些年,我一直喜欢中国花鸟画。早期更多的是临摹,向古人学习笔墨、构图和气韵。《潘天寿绘画的笔墨与构图》是我反复阅读的一本工具书。读得多了,看画的方式也慢慢地发生了变化。以前容易先看“画了什么”,后来会问:为什么主体在这里?为什么这一笔必须重?为什么这一块敢空下来?为什么有些地方画满了反而不好看?阅读让我重新学会了“看”。
但中国画不能只在书里学,还要向自然学。鲜花怎么绽放,荷叶怎样转折,鸟儿站在枝头是什么状态,动物运动时身体怎样发力,这些都需要观察。写生训练的不只是造型,更是取舍。
再后来,我越来越愿意向生活学。花猪、骏马、灵蛇、警犬、荷花、紫藤,都进入了我的作品。有人可能觉得花猪不像传统花鸟画里常见的题材,但我觉得,生活本身就是最丰富的画谱。关键不是古人有没有画过,而是我们有没有真正观察它、理解它,并找到属于自己的笔墨表达。
这些年,一些作品参加了中国女画家协会、省美协等组织的展览,也到河南、湖北、杭州等地参加全国花鸟画交流展,《金色的种子》《一路高歌》还参加了海峡两岸中华文化交流展。作品和文论也曾刊登于《美术报》《中国美术教育》等刊物。对我而言,这些经历当然是认可和鼓励,但更重要的是让我看到:自己的画作还可以怎样变化,自己的眼界还可以怎样打开。
创作反哺教学|自己还在画,才更懂学生
创作给我最大的回报,其实还是回到了课堂。
自己真正画过,才知道一张作品从空白到完成,中间有多少犹豫;才知道为什么有的学生迟迟不敢下第一笔,才知道为什么有人画到一半觉得“不像”就想放弃,才知道一句具体、真诚的肯定,能让一个学生重新拿起笔。
